Acerca del Arte
Jheronimus Bosch
ENIGMAS DE EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
El jardín de las Delicias es una de las obras más conocidas del pintor holandés Jheronimus Bosch (el Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 x 195 cm y dos laterales de 220 x 97 cada una (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Es considerado la obra pictórica con más personajes en su contenido y alberga muchos enigmas dignos de conocer y revisar a fondo.
La primera referencia escrita de "El jardín de las Delicias" data de 1517, cuando el canónigo italiano Antonio D'beatis escribió en su diario "Había unos paneles en los que se han pintado cosas extrañas. representan personas saliendo de una concha, otras que montan aves, hombres y mujeres, blancos y negros, haciendo todo tipo de actividades y poses", tras acompañar al cardenal de Aragón en una visita a Bruselas, Bélgica.
La pintura del holandés, realizada entre 1.490 y 1.510, es una visión del pecado y la moralidad y el diablo está en los detalles. En la parte que del tríptico que representa al Infierno hay escrita una canción escrita musicalmente en el trasero de uno de sus personajes. La estudiante Amelia Hamrick transcribió la melodía . Este individuo particular parece haber sido aplastado por un arpa gigante incrustada en un laúd, ante una audiencia de monjas, monstruos y un personaje que parece un sapo. La partitura no es la única pincelada musical de El Bosco en esta obra. En El Jardín de las Delicias, el tríptico dividido en los paneles Paraíso, Lujuria e Infierno que se exhibe en el Museo de El Prado, varios instrumentos musicales son utilizados como herramientas de tortura para los pecadores. de hecho el panel de Los condenados, también es conocido como "El infierno musical". Hay cerca de diez instrumentos representados en el cuadro que producen un sonido insoportable. Dentro del tambor hay un pecador al que un monstruo le pega con un bombo mientras que la flauta está clavada en el trasero de otro condenado.
La canción de "El trasero del Infierno", de 500 años, es una pieza fascinante: tocada en laúd, arpa un organillo, o interpretada como canto gregoriano, la música se eleva más allá de una pequeña porción del tercer panel del cuadro.
Ahí es donde reside la genialidad del pintor, que es capaz de englobar en una agradable paisaje a primera vista, una realidad paralela en la que podemos observar pequeños detalles que revelan cosas inesperadas.
OPERA HOUSE DE SIDNEY
A veces a una ciudad no la representa ni una bandera ni un escudo pero sí puede ser representada por un monumento o edificio que trasciende en el lugar que se encuentra. Cuando vemos las blancas conchas apuntando al cielo austral desde un edificio junto al mar pensamos: "La Ópera de Sidney", aunque pocos conozcan toda la polémica que generó.
Detrás de lo que es hoy la Sydney Opera House hay mucho de lo anterior, y hoy vamos a hablar sobre las curiosidades de este edificio que la Unesco declaró "Patrimonio de la Humanidad" en el año 2007 y que es lo más fotografiado en Sidney.
En marzo de 1791 ya hubo una primera función en el lugar donde hoy se asienta la Ópera, la hizo un aborigen llamado Bennelong para el gobernador de Australia y sus acompañantes. Bennelong, que fue incluso llevado a Inglaterra, se convirtió en el traductor del gobernador y mediador con los indígenas. En su honor se nombró a esa franja de terreno "Bennelong point". 30 años después, en 1821, se construyó un fuerte con forma de castillo, Fort MacQuarie, en Bennelong Point.
En 1901 el puente fue demolido y se construyó un conjunto de naves, con forma de castillo, para la maquinaria del tranvía, llamado Fort MacQuarie Tram Depot. Eugene Gossens, director de la Orquesta Sinfónica de Sidney, presionó desde finales de los años 40 para conseguir la construcción de un edificio para alojar a las compañías de ópera y de música. No es hasta 1955 que se anuncia que en Bennelong Point se construirá un nuevo edificio para la ópera y uno para la sinfónica y se decide convocar un concurso internacional para elegir el diseño de la obra. En diciembre de 1956 finaliza el plazo de entrega de obras para el concurso, habiendo recibido 233 diseños de una treintena de paises (incluyendo Kenia e Irán).
Se dice que el diseño ganador, después de 10 días de deliberaciones, por parte de 4 jueces, fue rescatado de entre los que habían sido descartados por uno de los miembros del tribunal. Era el número 218 y lo firmaba un arquitecto danés, Jorn Utzon, que jamás habia estado en Sidney. Con el concurso ganó 5000 libras de la época por un proyecto a construir en 4 años y que se presupuestó en el equivalente a 7 millones de dólares australianos. En 1957 el gobierno de NSW lanza una lotería para costear las obras.
En 1959, diez mil trabajadores se ponen manos a la obra y se inicia la construcción del proyecto antes de que se resolvieran los problemas de construcción de algunas partes del edificio.
En 1960, con el edificio con poco más que unos cimientos, se produce el primer concierto cuando Paul Robertson les cantó a los obreros subidos a los andamios.
En 1966, Jorn Utzon, abandona el proyecto y Australia. Tres arquitectos australianos son nombrados para continuarlo. Dicen las malas lenguas que sólo uno de ellos se dedicó en cuerpo y alma al proyecto, mientras que los otros dos se dedicaban a criar fama.
Ya en 1973 la Reina Isabel II inaugura oficialmente la Sydney Opera House y así se cierra el telón para las obras sobre los andamios y se abre el telón para las obras sobre el escenario.
Sometimes a city does not represent a flag or a shield but it can be represented by a monument or building that transcends the place it is located. When we see the white shells pointing to the southern sky from a building by the sea we think: "The Sydney Opera House", although few know all the controversy that generated.
Behind what is now the Sydney Opera House there is much of the above, and today we are going to talk about the curiosities of this building that Unesco declared "World Heritage" in 2007 and which is the most photographed in Sydney.
In March of 1791 there was already a first function in the place where today the Opera is based, made by an aborigine named Bennelong for the governor of Australia and his companions. Bennelong, who was even taken to England, became the translator of the governor and mediator with the Indians. In his honor, that strip of land was named "Bennelong point". 30 years later, in 1821, a fort in the shape of a castle, Fort MacQuarie, was built in Bennelong Point.
In 1901 the bridge was demolished and a set of naves, in the shape of a castle, was built for the tram machinery, called Fort MacQuarie Tram Depot. Eugene Gossens, director of the Symphony Orchestra of Sydney, pressed from the late 40's to get the construction of a building to accommodate the opera and music companies. It is not until 1955 that it is announced that a new building for the opera and one for the symphony will be built in Bennelong Point and it is decided to hold an international contest to choose the design of the work. In December of 1956 the deadline for the delivery of works for the contest ends, having received 233 designs from some thirty countries (including Kenya and Iran).
It is said that the winning design, after 10 days of deliberations, by 4 judges, was rescued from among those who had been discarded by one of the members of the court. It was number 218 and it was signed by a Danish architect, Jorn Utzon, who had never been to Sydney. With the contest won 5000 pounds of the time for a project to build in 4 years and that was budgeted in the equivalent of 7 million Australian dollars. In 1957, the NSW government launched a lottery to finance the works.
In 1959, ten thousand workers got down to work and the construction of the project began before the problems of construction of some parts of the building were solved.
In 1960, with the building with little more than a foundation, the first concert took place when Paul Robertson sang to the workers on the scaffolding.
In 1966, Jorn Utzon, leaves the project and Australia. Three Australian architects are appointed to continue it. The gossips say that only one of them devoted himself body and soul to the project, while the other two dedicated themselves to raising fame.
Already in 1973 Queen Elizabeth II officially opens the Sydney Opera House and thus closes the curtain for the works on scaffolding and opens the curtain for the works on stage.
FRIDA Y CHAVELA
Todos conocemos a estas dos valientes y talentosas mujeres que marcaron una gran brecha entre el machismo y la igualdad en el siglo XX. Hablamos de Frida Kahlo , pintora mexicana surrealista nacida en 1.907 y fallecida en 1.954 y Chavela Vargas, cantautora y actriz nacida en Costa Rica en 1.919 y fallecida en México en 2.012. Eran almas tan libres que estaban predestinadas a conocerse en la vida y de la mejor forma. Si había dos personas en este mundo que debieron encontrarse, esas fueron Chavela Vargas y Frida Kahlo, quienes se amaron entre susurros y tequilas.
Se dice que la lista de amantes de Chavela fue casi infinita y aunque no fue hasta que publicó su autobiografía a los 81 años de edad cuando se declaró públicamente como lesbiana, con canciones como Macorina ("Ponme la mano aquí" ), lo que dejaba ver entre líneas para la época que algo se intuía. Dicen que entre sus romances estuvieron Lola Beltrán, María Félix, Dolores Olmedo y hasta la mismísima Elizabeth Taylor, pero ninguna relación fue igual a la que tuvo con Frida.
Después de conocerla, Kahlo quedó tan impactada que le escribió a su amigo y poeta Carlos Pellicer una carta que marcó el inicio de una gran amistad. " Hoy conocí a Chavela Vargas. Extraordinaria, lesbiana, es más, se me antojó eróticamente. No se si ella sintió lo que yo. pero creo que es una mujer lo bastante liberal que si me lo pide no dudaría un segundo en desnudarme ante ella. ¿Cuántas veces no se te antoja un acostón y ya?, ella repito, es erótica. ¿Acaso es un regalo que el cielo me envía?".
Durante un tiempo, antes de la muerte de Frida en el año 1.954, ambas vivieron con Diego Rivera en su casa de Coyoacán. Muchos dicen que su relación fue exclusivamente platónica, otros que ambas mantenían una relación bixesual junto a Diego. solo ellas saben la verdad, pero lo que no puede negarse es la devoción que sentían la una por la otra, tal como lo reflejan en cartas ("Vivo para Diego y para tí. Nada más") y hasta en entrevistas. Así Chavela declaró: " Frida me enseñó muchas cosas y aprendí mucho, y sin presumir de nada, agarré el cielo con las manos, con cada palabra, cada mañana. "
En el tiempo que pasaron juntas, se amaron, se desearon, se necesitaron a su manera. En más de una oportunidad, Chavela reveló, que amaba a la mujer y no a la artista: "Frida esparcía ternura como flores, si, como flores. Una gran ternura, una ternura infinita."
Vargas contaba que le cantaba al oído mientras Frida estaba postrada en una cama , invadida por dolores, haciendo a la artista parte de sus canciones para siempre. Una de sus frases más célebres dice así: " ¿Adiós? No, nunca se dice adiós. Se dice " Te amo ". "
We all know these two brave and talented women who marked a great gap between machismo and equality in the 20th century. We are talking about Frida Kahlo, Mexican surrealist painter born in 1907 and died in 1954 and Chavela Vargas, singer-songwriter and actress born in Costa Rica in 1919 and died in Mexico in 2012. They were souls so free that they were predestined to know each other in life and in the best way. If there were two people in this world who should have met, those were Chavela Vargas and Frida Kahlo, who loved each other in whispers and tequilas.
It is said that the list of lovers of Chavela was almost infinite and although it was not until he published her biography at the age of 81 when he publicly declared herself a lesbian , with songs like Macorina ("Put your hand here"), which left see between the lines for the time that something was intuited. They say that among her romances were Lola Beltrán, María Félix, Dolores Olmedo and even Elizabeth Taylor herself, but no relationship was the same as she had with Frida.
After meeting her, Kahlo was so shocked that she wrote to her friend and poet Carlos Pellicer a letter that marked the beginning of a great friendship. "Today I met Chavela Vargas, extraordinary, lesbian, it's more, it seemed erotic to me, I do not know if she felt what I did, but I think she's a woman liberal enough that if she asks me she would not hesitate a second to undress before her How many times do not you crave sex and you're already ?, she repeat, it's erotic, is it a gift that heaven sends me?
For a time, before the death of Frida in the year 1954, both lived with Diego Rivera in his house in Coyoacán. Many say that their relationship was exclusively Platonic, others that both had a bixual relationship with Diego. only they know the truth, but what can not be denied is the devotion they felt for each other, as reflected in letters ("I live for Diego and for you, nothing more") and even in interviews. Chavela said: "Frida taught me many things and I learned a lot, and without showing off anything, I grabbed the sky with my hands, with every word, every morning."
In the time they spent together, they loved each other, they wanted each other, they needed each other in their own way. On more than one occasion, Chavela revealed that he loved the woman and not the artist: "Frida spread tenderness like flowers, yes, like flowers, a great tenderness, an infinite tenderness."
Vargas told that he sang in her ear while Frida was prostrate in a bed, invaded by pains, making the artist part of his songs forever. One of his most famous phrases says: "Goodbye, no, you never say goodbye, it says" I love you. "
RAREZAS SOBRE VAN GOGH
Se podría decir que Vicent Van Gogh fue un pintor tardío ya que su primera obra la pintó con 27 años pero aunque empezase a una edad no temprana, fue capaz de pintar 900 obras en una década y sólo vendió una de ellas en vida.
Fue una persona atormentada y con trastornos mentales, incluso sufría de epilepsia, pero hay más curiosidades que nos hacen querer saber más sobre este genio del postimpresionismo.
Vincent nunca se casó pero por lo que se sabe si se enamoró un par de veces. Uno de sus grandes amores fue Caroline Hanebeek, una amiga de la familia. En Londres, el pintor se volvió a enamorar de una joven de 19 años, la hija de su casera, que siempre se opuso a su relación. también es conocido su amor por Kee Vos, su prima, otra relación a los que sus padres se opusieron rotundamente. A Van Gogh también se le relacionó con algunas prostitutas, aunque una de sus relaciones más complicadas fue la que mantuvo con Margot Begeman, quien casi se suicida cuando su relación finalizó.
El misterio del corte de su oreja nunca ha estado del todo claro. Unos decían que él mismo se la cortó en un ataque de locura, mientras que otros aseguraron que fue su amigo Paul Gauguin quien lo hizo. Según esta segunda versión los dos pintores tenían una relación un tanto tormentosa y por lo que cuentan, Van Gogh en una pelea, intentó evitar que Gauguin saliese de su casa y éste le arrancó la oreja con su sable. Ambos acordaron no decir nada, de hecho en una carta entre ellos Van Gogh escribió: "Mantente callado y yo también lo haré".
Otras de las grandes incógnitas de la vida de Van Gogh es si el pintor realmente se suicidó. El artista se disparó a sí mismo, supuestamente y murió unos días después a la edad de 37 años. Sin embargo algunos investigadores llegaron a la conclusión de que fueron dos jóvenes que le venían hostigando desde hacía tiempo quienes realmente le mataron. Además esta teoría se apoya también en el hecho de que Vincent no dejase ninguna nota de suicidio.
It could be said that Vicent Van Gogh was a late painter since his first work he painted at age 27 but although he started at an early age, he was able to paint 900 works in a decade and only sold one of them while still alive.
He was a tormented person with mental disorders, he even suffered from epilepsy, but there are more curiosities that make us want to know more about this genius of post-impressionism.
Vincent never got married but it is known if he fell in love a couple of times. One of her great loves was Caroline Hanebeek, a friend of the family. In London, the painter fell in love with a 19-year-old girl, the daughter of her landlady, who always opposed their relationship. his love for Kee Vos, his cousin, is also known, another relationship to which his parents resoundingly opposed. Van Gogh was also associated with some prostitutes, although one of his most complicated relationships was with Margot Begeman, who almost committed suicide when their relationship ended.
The mystery of the cut of his ear has never been completely clear. Some said that he cut himself off in a fit of madness, while others said it was his friend Paul Gauguin who did it. According to this second version the two painters had a somewhat stormy relationship and so they tell, Van Gogh in a fight, tried to prevent Gauguin from leaving his house and he ripped his ear with his saber. Both agreed not to say anything, in fact in a letter between them Van Gogh wrote: "Keep quiet and I will too."
Another of the great unknowns of Van Gogh's life is whether the painter actually committed suicide. The artist shot himself, allegedly and died a few days later at the age of 37 years. However, some researchers came to the conclusion that it was two young men who had been harassing him for some time who really killed him. In addition, this theory is also based on the fact that Vincent did not leave any suicide note.
LOS MOAI
Pascua es una pequeña isla aproximadamente 80 kilómetros cuadrados, del Océano Pacífico en la Polinesia, ubicada a 3.760 kilómetros de Chile, país al que pertenece desde 1.888 y es famosa por las gigantescas efigies de piedra, conocidas también como Moai.
Los Moai son figuras de piedra de enormes dimensiones con forma humana cubiertas con algo que parece un sombrero cilíndrico. Las gigantescas cabezas sobresalen del árido suelo, tienen las orejas largas y grandes y miran hacia el sol.
En la isla existen diferentes grupos de estatuas: 276 hacen guardia en las laderas del volcán. 300 están derribadas sobre los Ahus (plataformas) que rodean los altos acantilados de la isla. Otras están a lo largo de antiguos caminos y 80 quedaron sin terminar.
La gran curiosidad viene porque sólo uno, Ahu Kote Riku, tiene ojos (aunque todos tuvieron) y el típico sombrero, pukao, lo que lo hace muy especial, así lo definían: " Quizás sus ojos le den más presencia, más poder...pero es inevitable buscar su mirada perdida durante un largo tiempo. El magnetismo de este Moai es tal que, probablemente, no me equivocaría si dijera que es el más fotografiado de todos los que hay en Rapa Nui"
El nombre completo de las estatuas en su idioma lacal es Moai Aringa Ora, que significa " Rostro vivo de los ancestros ". Estos gigantes de piedra fueron hechos por los Rapa Nui para representar a sus ancestros, gobernantes o antepasados importantes, que después de muertos tenían la capacidad de extender su " Mana " o poder espiritual sobre la tribu, para protegerla.
Pascua is a small island approximately 80 square kilometers, of the Pacific Ocean in Polynesia, located 3,760 kilometers from Chile, country to which it belongs since 1888 and is famous for the gigantic stone effigies, also known as Moai.
The Moai are stone figures of enormous dimensions with human form covered with something that looks like a cylindrical hat. The giant heads protrude from the arid ground, their ears are long and large and they look towards the sun.
On the island there are different groups of statues: 276 guard the slopes of the volcano. 300 are demolished on the Ahus (platforms) that surround the high cliffs of the island. Others are along old roads and 80 were left unfinished.
The great curiosity comes because only one, Ahu Kote Riku, has eyes (although they all had) and the typical hat, pukao, which makes it very special, they defined it: "Maybe his eyes give him more presence, more power .. But it is inevitable to look for his lost look for a long time.The magnetism of this Moai is such that, probably, I would not be mistaken if I said that it is the most photographed of all those in Rapa Nui "
The full name of the statues in their language is Moai Aringa Ora, which means "Living face of the ancestors". These stone giants were made by the Rapa Nui to represent their ancestors, rulers or important ancestors, who after death had the ability to extend their "Mana" or spiritual power over the tribe, to protect it.
LA PIEDAD DE MIGUEL ANGEL
Como en casi todo en la Historia del Arte a Miguel Ángel Buonarroti le rodea un halo de misterio y muchas curiosidades.
Ya conocido en el ambiente de la curia, en 1.497 con solo 24 años de edad Miguel Ángel recibe el encargo, del cardenal Jean Bilhères de Lagraulas, de esculpir una " Virgen María Vestida con un Cristo muerto en los brazos, a tamaño natural ". El artista era extremadamente exigente con las materias primas, él mismo fue a buscar el bloque de mármol en la cantera de Carrara y tardó nueve meses en elegir el adecuado y transportarlo desde la cantera hasta Roma.
Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma, dudando de él por su juventud. algunos decían que era de un artista llamado El Jorobado de Milán. al enterarse, Buonarroti, en un ataque de furia se escondió a la noche en la iglesia y grabó a cincel su nombre en la escultura, siento esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: " Michael Angelus Bonarotus Florentinus Faciebat ", ( Miguel Ángel Bueonarroti, florentino, lo hizo ).
As in almost everything in the History of Art, Michelangelo Buonarroti is surrounded by a halo of mystery and many curiosities.
Already known in the ambiance of the Curia, in 1497 with only 24 years of age, Michelangelo receives the order, from Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas, to carve a "Virgin Mary dressed with a dead Christ in her arms, in full size." The artist was extremely demanding with the raw materials, he himself went to find the block of marble in the quarry of Carrara and it took nine months to choose the right one and transport it from the quarry to Rome.
When the work was finished and delivered, some doubted that Michelangelo had been the true author of it, doubting him for his youth. some said it was from an artist called The Hunchback of Milan. When he found out, Buonarroti, in a fit of rage, hid himself at night in the church and engraved his name on the sculpture with a chisel. I feel this is the artist's only signed work. In the ribbon that crosses the chest of the Virgin it can be read: "Michael Angelus Bonarotus Florentinus Faciebat", (Michelangelo Bueonarroti, Florentine, he did it).
EL BESO DE GUSTAV KLIMT
De todos es conocido el maravilloso cuadro de proporciones gigantes, 180 cms. x 180 cms, de Gustav Klimt, pero no todos conocen las anécdotas que lo rodean y no son pocas. Por ejemplo, la carrera de Klimt estaba en decadencia cuando pintó El Beso. Antes de empezar esta pieza, Klimt había recibido mordaces burlas en la primera década del siglo XX por sus pinturas en el techo de la Universidad de Viena. Debido a los desnudos de estas obras, se le llegó a calificar de pornógrafo y pervertido, hiriendo así su reputación.
En 1.907 cuando Klimt crea El Beso, se encontraba en un momento de pánico creativo. Confesó en una carta: " O soy demasiado viejo, demasiado nervioso o demasiado estúpido, algo debe estar mal ".
El Beso fue comprado antes de ser terminado. En 1.908, la Austrian Gallery muestra El Beso por primera vez, a pesar de que Klimt aún no había rematado el trabajo. Su estado inacabado no detuvo al Museo Belvedere para añadirlo a su colección en el acto.
El Beso podría ser un autorretrato ya que algunos historiadores del arte han teorizado que los amantes no son otros que el pintor austriaco y su pareja de mucho tiempo, la diseñadora de moda Emilie Floge, a la que había representado previamente en un retrato o incluso se piensa que la mujer podría ser otra de sus recurrentes musas, la dama de la alta sociedad Adele Bloch-Bauer, que había posado para un retrato del " periodo dorado " ese mismo año. Otros han sugerido que el pelo rojo es un indicio de que es " Red Hilda " la modelo que Klimt empleó para Danae, Mujer con sombrero y boa de plumas y pescado dorado.
Otro dato interesante es que tanto Gustav Klimt como El beso, fueron acuñados en el año 2.003, en el que Austria emitió una moneda conmemorativa de 100 euros que tenía un grabado de El Beso en una cara y un retrato de Klimt trabajando en su estudio en la otra.
Of all is known the wonderful painting of giant proportions, 180 cms. Gustavo Klimt, 180 cm, but not everyone knows the anecdotes that surround him and they are not few. For example, Klimt's career was in decline when he painted The Kiss. Before starting this piece, Klimt had received scathing ridicule in the first decade of the twentieth century for his paintings on the roof of the University of Vienna. Due to the nudes of these works, he came to be described as a pornographer and pervert, wounding his reputation.
In 1907 when Klimt created The Kiss, he was in a moment of creative panic. He confessed in a letter: "Either I am too old, too nervous or too stupid, something must be wrong".
The Kiss was bought before it was finished. In 1908, the Austrian Gallery shows El Beso for the first time, despite the fact that Klimt had not finished the work yet. Its unfinished state did not stop the Belvedere Museum to add it to its collection on the spot.
The Kiss could be a self-portrait since some art historians have theorized that the lovers are none other than the Austrian painter and his longtime partner, the fashion designer Emilie Floge, whom he had previously represented in a portrait or even he thinks that the woman could be another of his recurrent muses, the lady of high society Adele Bloch-Bauer, who had posed for a portrait of the "golden period" that same year. Others have suggested that the red hair is an indication that it is "Red Hilda" the model that Klimt used for Danae, Woman with hat and feather boa and golden fish.
Another interesting fact is that both Gustav Klimt and The Kiss, were coined in the year 2003, in which Austria issued a commemorative coin of 100 euros that had an engraving of The Kiss on one side and a portrait of Klimt working in his studio in the other.
Estos datos han sido extraídos de Cultura Inquieta.
JARDINES DE BABILONIA.
Hacia el año 600 A.C. Nabucodosor II, Rey de Caldea, quiso hacer a su espsa Amytis, hija del Rey de los Medos, un regalo que demostrase su amor por ella y le recordara las montañas de su tierra, tan diferentes de las llanuras de Babilonia.
Amytis, esposa de Nabucodonosor II, echaba de menos los montes y las colinas frondosas de vegetación donde se crió. Nabucodonosor II, el más famoso de todos los del mismo nombre, además de un gran guerrero y conquistador, también era un gran arquitecto, pero su ciudad era demasiado rectilínea. Para alegrar a su mujer ordenó traer grandes piedras, pues los ladrillos utilizados normalmente no resistían la humedad. Así, edificó una serie de terrazas escalonadas en las cuales depositó la tierra necesaria para plantar árboles, flores, arbustos, etc. También construyó una máquina semejante a una noria que transportaba el agua desde un pozo hasta los jardines para regarlos. En poco tiempo, estos rebosaban de vegetación y las copas de los árboles se divisaban incluso desde fuera de las dobles murallas de la ciudad. Nabucodonosor había conseguido crear un aparente monte cubierto de exuberante vegetación para así contentar los deseos de su esposa.
Pero sobre los Jardines Colgantes existe también una leyenda que sitúa su construcción 5 siglos antes, a finales del siglo XI A.C. Según esta leyenda es la reina Shammuramat, quien construye los jardines. Shammuramat gobierna el imperio Asirio como regente de su hijo Adadmirari III, desde la muerte del Rey Shamsidad V, además de construir los jardines colgantes, conquista La India y Egipto. Terminó sus días sucidándose a causa del dolor que le produjo descubrir una conjura contra ella urdida por su propio hijo.
Towards the year 600 A.C. Nabucodosor II, King of Chaldea, wanted to make his fat Amytis, daughter of the King of the Medes, a gift that showed his love for her and reminded him of the mountains of his land, so different from the plains of Babylon.
Amytis, wife of Nebuchadnezzar II, missed the mountains and leafy hills of vegetation where she grew up. Nebuchadnezzar II, the most famous of all of the same name, as well as a great warrior and conqueror, was also a great architect, but his city was too rectilinear. To cheer up his wife he ordered to bring large stones, because the bricks normally used did not resist the humidity. Thus, he built a series of terraced terraces in which he deposited the necessary land to plant trees, flowers, bushes, etc. He also built a machine similar to a ferris wheel that transported water from a well to the gardens to water them. In a short time, these brimmed with vegetation and the tops of the trees could be seen even from outside the double walls of the city. Nebuchadnezzar had managed to create an apparent mountain covered with lush vegetation to satisfy the wishes of his wife.
But on the Hanging Gardens there is also a legend that situates its construction 5 centuries before, at the end of the 11th century BC. According to this legend is the queen Shammuramat, who builds the gardens. Shammuramat rules the Assyrian empire as ruler of his son Adadmirari III, since the death of King Shamsity V, in addition to building the hanging gardens, conquering India and Egypt. She ended her days sucking herself because of the pain of discovering a plot against her, plotted by her own son.
ANDY WARHOL
Pionero del Arte Digital
En 1985 Warhol (Andrew Warhola), realizó algunas obras con un programa de diseño de ordenador. Aquellos experimentos digitales se creían perdidos hasta hace unos años que han sido recuperados.
Warhol, sin duda es uno de los máximos exponentes del Pop Art y excéntrico personaje que marcó el mundo del arte, en diversas facetas, desdibujando la línea que la separaba de la publicidad. Un magnífico visionario, criticado por producir una obra considerada frívola, consumista y pretenciosa. Para la posteridad queda su frase " En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos".
In 1985 Warhol (Andrew Warhola), made some works with a computer design program. Those digital experiments were believed lost until a few years ago that have been recovered.
Warhol is undoubtedly one of the greatest exponents of Pop Art and eccentric character that marked the art world, in various facets, blurring the line that separated it from advertising. A magnificent visionary, criticized for producing a work considered frivolous, consumerist and pretentious. For posterity is his phrase "In the future everyone will be famous for 15 minutes."
LEONARDO DA VINCI
Pocas personas saben que Leonardo Da Vinci fue maestro de banquetes en la corte de Ludovico Sforza durante más de 30 años, pocos conocen sus trabajos como jefe de cocina de la taberna "Los Tres Caracoles". El llamado Codex Romanoff (descbierto en 1981) , es una libreta en la que el polifacético artista anotaba recetas y comentarios acerca de los buenos y malos modales en la mesa.
Few people know that Leonardo Da Vinci was a banquet master in the court of Ludovico Sforza for more than 30 years, few know his work as head chef of the tavern "The Three Snails". The so-called Codex Romanoff (unveiled in 1981), is a notebook in which the versatile artist wrote down recipes and comments about good and bad manners at the table.
Ref: Notas de Cocina de Leonardo Da Vinci
Compilación y edición de Shelagh y Jonathan Routh.
